Cultura

Pastelli che celebrano e sfidano

Ormai, è pratica standard per l’artista visivo Nicolas Party scavare la morbida lucentezza e la mutevolezza di certi orizzonti estetici. Con mostre personali in tutto il mondo, da Hong Kong a Montréal, Party ha raggiunto l’ammirazione della critica per i suoi paesaggi, ritratti e nature morte in polvere pastello familiari ma inquietanti che allo stesso tempo celebrano e sfidano la storia dell’arte. Sbalordito dalla sua prima mostra istituzionale al museo Poldi Pezzoli di Milano, chiamata “Triptic”, ho deciso di incontrarlo a New York durante una delle mie fughe sulla East Coast e di scavare più a fondo nel suo mondo perturbante e stravagante.

Nicolas, prima di tutto grazie mille per averlo fatto. Sono felice di essere nel tuo studio a Brooklyn. Cosa significa essere un artista svizzero qui a New York?

«Be’, non è affatto una risposta semplice. Essere un artista svizzero significa che sono cresciuto in una cultura e in un ambiente visivo specifici e ho acquisito familiarità con tutta una serie di artisti piuttosto distintivi come Félix Vallotton. Inoltre, la maggior parte della mia formazione è stata in francese perché vengo da Losanna. Questo ovviamente ha influenzato il futuro della mia vita e carriera. Ho lasciato la Svizzera quando avevo 27 anni, quindi puoi sicuramente dire che ho trascorso gran parte della mia vita lì. Detto questo, essere uno svizzero a New York non mi fa sentire parte di una minoranza emarginata. Al giorno d’oggi il mercato dell’arte si trova principalmente a New York e ci sono così tanti artisti provenienti da tutto il mondo, quindi avere una mentalità internazionale e quell’apertura alla ‘contaminazione’ è fondamentale se vuoi prosperare come artista visivo.

Nicolas Party nel suo studio.

C’è una sorta di competizione tra gli artisti?

“No, per niente. Come dicevo, se non sei disposto a confrontarti con culture e linguaggi visivi diversi in una città come New York, e più in generale nel mondo dell’arte, perdi qualcosa di speciale”.

Come vivi la pressione artistica nel tuo lavoro?

“Beh, sento sempre molta pressione quando inizio un nuovo progetto, perché voglio accontentare me stesso e le persone che hanno creduto in me e mi hanno invitato a partecipare. È sempre un privilegio realizzare qualsiasi progetto ovunque, da quelli grandi a quelli piccoli. So che alcuni dei miei colleghi e amici non hanno questa opportunità, quindi sono grato e nervoso allo stesso tempo mentre mi sforzo di offrire qualcosa che merito, loro meritano e il posto merita.

Qual è l’opera d’arte a cui ti senti più legato?

“Cambia ogni volta! Certamente ci sono opere con cui ho un legame speciale e che ho conservato da qualche parte nel mio studio nel corso degli anni; ma non saprei indicarne uno. Ce ne sono pochi in cui dico ‘Oh, quel dipinto ha sicuramente qualcosa’ e ho un ricordo specifico legato ad esso, forse ricordo esattamente cosa viene prima e dopo che l’ho fatto. Quelle sono sicuramente tracce di memoria che amo.

Riesci a pensare a qualsiasi opera d’arte che hai lanciato in passato pensando a te stesso: “questo non è davvero pronto e voglio solo buttarlo via”?

“Sì, succede abbastanza spesso: comincio a lavorare su qualcosa, faccio fatica e alla fine non c’è niente che io possa fare; devo arrendermi. Tuttavia, a volte per qualche motivo non lo faccio, queste opere escono nel mondo e sorprendentemente ricevono così tanti elogi dal mondo dell’arte che, di conseguenza, iniziano a piacermi un po’ di più. Questo mi ha fatto capire che non devo sempre fidarmi di quel primo momento di disperazione e invece devo andare avanti”.

Quanta importanza hanno le gallerie sul lavoro di un artista?

“Non molto sul lavoro in sé, perché una galleria d’arte commerciale non ti darà mai un input artistico, ma dal punto di vista della carriera sì. Al giorno d’oggi sarebbe davvero difficile avere una carriera commerciale di successo senza l’approvazione di una galleria più o meno affermata. Non puoi davvero vendere un dipinto senza una galleria che ti “copra le spalle”, voglio dire, puoi, ma è molto più difficile in quanto non hai accesso a una rete consolidata di collezionisti privati ​​che acquistano regolarmente opere d’arte. Noi, come artisti, non abbiamo davvero il tempo per costruire quella rete da zero o l’interesse o forse entrambi.

Quali sono gli oggetti più indispensabili che utilizzi nel tuo studio?

“Gli oggetti più indispensabili sono solo la matita e un pezzo di carta. Tutto inizia lì. Poi ovviamente arrivano i pastelli, come puoi vedere proprio dietro di me, è la tecnica che uso di più, ma senza gli schizzi e l’album da disegno, per me comunque, non c’è niente. Sono proprio come le prime parole di un romanzo, l’origine di tutto».

Cosa ammiri di più in un’opera d’arte?

“Molte cose! Ma soprattutto una qualità che provoca il lo status quo e ti interroga continuamente, ma non ti fornisce necessariamente una risposta.

E ora esattamente l’opposto… qual è qualcosa che ti dà davvero fastidio in un’opera d’arte?

“Non mi piace quando l’opera d’arte è quasi come una pubblicità e il messaggio è chiaro e prosaico. È sempre una bandiera rossa quando il messaggio è presentato in modo così schietto che puoi ottenerlo senza alcun tipo di sforzo ermeneutico. Mi piacciono le finestre aperte e le porte aperte nell’arte.

Ti capita mai di venire in studio e non avere idea di cosa farai?

“No! Sono fortunato ad avere sempre così tanti progetti in corso e, infatti, vorrei avere un po’ più di tempo per provare nuovi mezzi ed esplorare percorsi diversi. Potrei lavorare per ore e il risultato finale mi delude ma non vengo mai qui senza un piano; c’è sempre molto da fare. Questa è la bellezza del mio lavoro.”

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